A l’est la guerre sans fin 1918-1923 au musée de l’Armée

Retour à l’une de mes matières préférées pendant mes études – l’Histoire – avec la dernière exposition du musée de l’Armée aux Invalides: A l’est la guerre sans fin 1918-1923. Les dates choisies recouvrent la période des différents traités suivant la Grande Guerre dont le plus connu reste celui de Versailles. L’occasion de se rappeler que la fin de la première Guerre Mondiale a mis à mal des empires séculaires, comme le montrent très bien les reproductions des cartes ci-dessous.

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Alors que les conflits cessent en Europe de l’Ouest le 11 novembre 1918, la guerre se poursuit à l’Est et au Proche-Orient jusqu’en 1923. L’exposition retrace la chute des quatre grands Empires russe, ottoman, austro-hongrois et allemand et aborde cette période méconnue de l’histoire, faite de révolutions, de guerres civiles, de modifications conséquentes des frontières et de création de nouveaux Etats. 

carte satirique Autriche Hongrie
Carte satirique de l’Autriche-Hongrie

Pour la première fois, le musée de l’Armée n’avait pas assez d’objets en interne, notamment pour les Empires ottoman et russe et a dû faire appel à des collections étrangères, qu’il s’agisse de musées français et étrangers ou de collectionneurs privés. En outre les Traités ont été pillés en France en 1940 par les Allemands, car symbole de la défaite de 1918. L’original du Traité de Versailles a alors disparu.

L’exposition débute avant même la fin du conflit puisqu’elle rappelle les « accords Sykes Picot » qui dès 1916 évoquent un partage de l’Empire ottoman, et provoquent des réactions dans les pays arabes comme le symbole de la diplomatie secrète occidentale. Le président américain Wilson promeut alors une diplomatie ouverte et la liberté des peuples à disposer d’eux-mêmes mais, s’il signe le Traité de paix, le Sénat américain ne le ratifie pas. Elle nous rappelle ensuite que le Traité de Trianon met fin à la Hongrie telle que connue auparavant et que le Traité de Sèvres concernant l’Empire ottoman est mort né en raison du démantèlement de cet empire. Ainsi, l’Arménie qui se souhaitait indépendante est confrontée au nationalisme turc et devient une république soviétique.

Cette période voit aussi le passage de la cartographie des diplomates – ie en chambre – à celle de la réalité sur le terrain avec les minorités et la question de leur protection face à d’éventuels déplacements. 

Nous découvrons, lorsque la chute de l’Empire russe est entérinée, que la guerre civile russe a provoqué plus de morts en Russie que la première Guerre Mondiale et que dans tous les pays d’Europe centrale, se heurtent les volontés de s’extraire de la puissance soviétique et allemande, ainsi que les oppositions en interne entre les Blancs et les Rouges.  Sur tous ces territoires la violence engendre de nombreuses victimes civiles. 100 000 Juifs sont ainsi tués en Ukraine, soit le plus grand massacre de cette communauté avant la Shoah.

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Bâton de maréchal polonais du Maréchal Foch

C’est dans ce cadre que la France apparaît comme un allié stratégique et est incitée à intervenir pour instaurer une stabilité politique. Des décorations militaires retracent ces interventions, notamment dans les pays baltes.

Une guerre sans fin dont les soubresauts sont toujours perceptibles dans les Balkans ou dans certaines revendications nationalistes.

Anne-Laure FAUBERT

Caravage à Rome, amis et ennemis : le rendez-vous de l’automne du musée Jacquemart André

Que les inconditionnels du Caravage – auxquels j’appartiens – se réjouissent ! Dix chefs d’œuvre du Caravage – dont sept jamais montrés en France – vous donnent rendez-vous au musée Jacquemart André jusqu’au 28 janvier 2019. Certes ceux accrochés dans les églises romaines ou à Malte n’ont pas fait le voyage comme le sublime triptyque consacré à Saint Matthieu de Saint Louis des Français à Rome, mais le magnifique Joueur de luth à la beauté androgyne de l’Ermitage est bien là, et vous dévisage de son air si mystérieux.
Le Joueur de luth de Caravage –  Photo: Anne-Laure Faubert
Né en 1571 et décédé en 1610, Michelangelo Merisi, dit Caravage, révolutionne la peinture italienne du XVII°s par son usage novateur du clair-obscur. Il est également devenu, en raison de sa vie romanesque, l’un des archétypes de l’artiste romantique et maudit, alors qu’il était en fait un artiste aisé, peignant ses domestiques, mais doté d’un mauvais caractère, d’où ses ennuis avec la justice. Ainsi, lorsqu’il quitte Rome en 1606 et arrive à Naples, les commandes affluent pour cet artiste reconnu, avant que sa condamnation ne se sache.
Judith et Holopherne- Saraceni – 1618 –  Photo: Anne-Laure Faubert
L’exposition du musée Jacquemart André est consacrée à sa période romaine, de 1592 à sa fuite en 1606 lorsqu’il tue Ranuccio Tomassoni et est condamné à mort. Comme les études récentes l’ont montré Caravage entretenait des relations étroites avec les cercles intellectuels romains de l’époque : collectionneurs, artistes, poètes, érudits. L’exposition débute avec la Judith décapitant Holopherne (vers 1600) de Caravage, mise en perspective avec les œuvres contemporaines sur ce thème. Novatrice par sa violence et sa composition, cette œuvre nous propose un drame observé de près. En effet, Judith était, avant cette œuvre, considérée comme l’icône de la justice. Elle est ici représentée comme une séductrice et le contraste est d’autant plus criant entre son meurtre, sa beauté, sa jeunesse et les rides de la vieille dame à sa droite.
Judith décapitant Holopherne – Caravage Photo: Anne-Laure Faubert
Cet intérêt pour la jeunesse et la vieillesse comme sujets indirects de ses tableaux se retrouve dans le magnifique Joueur de luth (1595-1596) au regard languide et à la chemise entrouverte, chantant un madrigal amoureux, symbole d’une peinture profane raffinée. Ce tableau est à l’origine d’une tradition de peintures représentant de jeunes chanteurs plus ou moins mélancoliques, chantant leurs peines d’amour comme les bergers de la poésie antique. Le jeune Saint Jean-Baptiste au bélier (1602) nous montre également une iconographie inhabituelle : non seulement ce n’est pas un mouton mais un bélier qui accompagne Jean-Baptiste, mais il est de surcroît représenté jeune.
Saint Jérôme écrivant, vers 1605 – Caravage Photo: Anne-Laure Faubert
Par contraste, Saint Jérôme écrivant, vers 1605, nous montre une image émouvante de la vieillesse. Un intérêt partagé par ses contemporains puisqu’on retrouve dans l’œuvre d’Orazio Gentileschi, ce Saint, peint d’après le même modèle que Caravage, un pèlerin septuagénaire. L’œuvre du Caravage apporte une peinture équilibrée par le crâne à gauche et la lumière sur la tête chauve du Saint à droite. Le Saint est représenté dans une iconographie traditionnelle: il traduit la Bible de l’hébreu en latin avec une précision reprise par Caravage. Il en résulte une œuvre directe, simple à comprendre tout en étant sophistiquée.
Saint Jérôme d’O. Gentileschi – vers 1611 Photo: Anne-Laure Faubert
Cette exposition est également l’occasion de découvrir des sujets classiques de la peinture religieuse comme Les Pèlerins d’Emmaüs et Ecce Homo et de comparer les approches du Caravage et de ses contemporains. Elle nous apprend aussi que Caravage aimait beaucoup la peinture de Carache, à l’opposé de la sienne, car lente et précise, annonçant le classicisme du XVII° siècle. Ces deux peintres ont collaboré pour les œuvres des églises Santa Maria del Popolo et la conversion de Saint Matthieu de Saint Louis des Français. Libre à vous pour conclure de vous interroger sur les deux versions de Madeleine en extase proposées dans la dernière salle et dont une version n’a été découverte qu’en 2016. Sont-elles toutes les deux du Caravage  ou l’une de son atelier et retouchée par le maître? Anne-Laure FAUBERT   Caravage à Rome, amis et ennemis – Musée Jacquemart André jusqu’au 28 janvier 2019

Camille et Paul Claudel: le rêve et la vie

Claudel. Un nom qui évoque deux artistes frère et soeur: Camille, la sculptrice géniale, modèle et maîtresse d’Auguste Rodin et Paul, diplomate brillant et écrivain, auteur de L’Annonce faite à Marie, Le soulier de satin et La jeune fille ViolaineDeux artistes aux destinées diamétralement opposées: la première est internée de 1913 à sa mort en 1943. Le second connait les fastes d’une carrière diplomatique dont Camille fut un précieux atout à ses débuts, grâce à ses relations, et la reconnaissance de ses écrits.

Paul Claudel par Camille Claudel
Paul Claudel enfant par Camille Claudel Photo: Anne-Laure Faubert

A l’occasion des 150 ans de la naissance de l’écrivain, l’exposition « Camille Claudel et Paul Claudel le rêve et la vie » que leur consacre le musée Camille Claudel à Nogent sur Seine, montre les liens étroits qui les unissaient et nous dévoile le magnifique portrait au pastel de Louise, leur sœur (1866 – 1935) au destin moins romanesque.

Louise Claudel_1887_par Camille Claudel_pastel sur papier
Louise Claudel par Camille Claudel (1887) pastel sur papier

Le titre choisi par le musée « Le rêve et la vie » nous rappelle le livre de Gérard de Nerval, Aurélia ou le rêve et la vie, écrit en 1855,  pour essayer de décrire son état d’esprit quand il était en proie à ses crises de folie. Une expression qui nous renvoie à la vie tragique de Camille Claudel et nous interroge sur la vie des deux artistes, Paul et Camille.

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Paul Claudel en jeune romain par Camille Claudel Photo: Anne-Laure Faubert

La scénographie et l’exposition font le choix de la sobriété et insistent sur les liens affectueux qui se tissent dès leur enfance, en partie passée à Nogent sur Seine et l’importance de leur précepteur M. Collin, avant leur départ pour Paris où Paul Claudel intègre Louis le Grand et Camille Claudel s’inscrit à l’académie Colarossi. Elle modèle alors un magnifique buste de son frère en Jeune Romain.

Les liens entre Camille Claudel, Auguste Rodin et Paul Claudel sont également évoqués.  Le sculpteur écrit en effet à la demande de Camille Claudel une lettre de recommandation pour le concours des Affaires Etrangères de Paul Claudel. Après la séparation des deux amants, Paul Claudel se montre critique envers les œuvres d’Auguste Rodin qu’il compare aux sculptures de sa sœur.

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L’âge mur sculpture de Camille Claudel Photo: Anne-Laure Faubert

Le visiteur peut se faire sa propre idée sur les sculptures des deux artistes puisque certaines sont exposées côte à côte. J’ai personnellement une préférence pour celles de Camille, plus fines, sensibles, terribles parfois comme L’Age mûr qui relate l’abandon de Rodin, ou mélancolique. Sans cautionner les critiques acerbes de Paul Claudel qui parle du Baiser comme « un homme attablé à une femme », la personnalité « minotaure » de Rodin me dérange, tout comme celle de Picasso qui à sa façon « vampirisait » ses compagnes.

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L’abandon, sculpture de Camille Claudel Photo: Anne-Laure Faubert

L’exposition ne passe pas sous silence l’internement de Camille Claudel avec les documents d’époque. Il nous est permis toutefois de nous interroger sur la durée de l’internement. Certes Paul Claudel rend visite 13 fois à sa sœur en 30 ans lors de ses retours en France, mais une solution moins dure n’aurait elle pas pu être trouvée? Qu’aurions nous fait à sa place? Cette exposition à l’atmosphère mélancolique nous invite également en filigrane à réfléchir à nos propres rapports familiaux…

Anne-Laure FAUBERT

 

Ossip Zadkine: l’instinct de la matière… et de la beauté…

C’est une exposition qu’on parcourt avec un plaisir certain, entre les sculptures aux formes abruptes, typiques des années 1930, fortement influencées par les arts extra occidentaux, et les oiseaux hiératiques.

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On regrette juste le visuel choisi pour la campagne de communication qui, s’il retranscrit bien le terme d’instinct, pourrait en dérouter certains.

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Ossip Zadkine: l’instinct de la matière Photo: Anne-Laure Faubert

 

Né en 1890 en Russie et décédé en 1967 à Paris, Ossip Zadkine, quoique moins connu du grand public, est considéré comme un des plus grands sculpteurs du XX°s.  Jeux sur les vides et les pleins, les creux et les bosses, vivacité des formes… Nous sommes bien en face d’un très grand sculpteur, loin de représentations classiques et surannées.  Une certaine mélancolie se dégage de ses œuvres, reflet peut-être de ses racines slaves.  A ce sujet, la présence récurrente de l’oiseau et de la femme oiseau, le doux oiseau du désir, n’est pas sans rappeler le conte russe de l’oiseau de feu. Présenté dans l’atelier, nous tournant le dos, L’oiseau d’or semble vouloir s’échapper; la matérialité et la pulsion de l’être qui veut s’envoler sont rendues avec force.

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L’oiseau d’or, 1924, Ossip Zadkine Photo: Anne-Laure Faubert

 

Une influence de la Russie que l’on retrouve dans cette magnifique Odalisque ou Bayadère du musée d’Arles, jamais sortie jusqu’à présent, avec les chaussons de feutre et la broderie.

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Ossip Zadkine, Odalisque ou Bayadère, 1932 Photo: Anne-Laure Faubert

Cette exposition est aussi l’occasion de nous montrer la violence de l’angoisse retranscrite en sculpture, et le bloc de pierre dans le jardin, dont semblent s’échapper des éclats, sa façon de travailler. Quoique mort, Zadkine est toujours parmi nous, par son oeuvre et les sentiments qui s’en dégagent.

Anne-Laure FAUBERT

Collections privées Acte II : Un voyage flamboyant des impressionnistes aux fauves au Musée Marmottan

En 2014, pour fêter ses 80 ans, le musée Marmottan Monet proposait une très belle exposition « Les impressionnistes en privé» rendant ainsi hommage aux collectionneurs qui ont rendu possible l’existence de cette institution culturelle. En effet, sans collectionneurs, point de musée Marmottan Monet.

Paul Signac - Castellane - 1902 - 1enviedailleurs.com
Paul Signac – Castellane – 1902 -Collection particulière – Droits réservés

En 2018, cet hommage est réitéré avec 72 peintures, dessins et sculptures conservées en mains privées en Europe, aux Etats-Unis et en Amérique latine : Collections privées : un voyage des Impressionnistes aux fauves. Cette exposition présente non seulement des chefs d’œuvres impressionnistes mais aussi des pièces majeures ou inédites des différents courants qui ont marqué la vie culturelle française au tournant du XX°siècle. Une manière de se différencier du premier opus par ces choix artistiques qui nous emmènent jusqu’aux Fauves et en 1920, soit 6 ans avant la mort de Claude Monet.

Van Gogh: Les lauriers roses. le jardin à l'hôpital à Saint Rémy - 1enviedailleurs.com
Van Gogh: Les lauriers roses. le jardin à l’hôpital à Saint Rémy – 1889 – Copyright: Arturo Piera

Dès la première salle et le premier tableau, la demeure privée de M. et Mme Josse et Gaston Bernheim Jeune, nous entrons avec cette jolie mise en abyme dans les demeures des collectionneurs. Cet itinéraire pictural de Monet à Matisse nous permet de découvrir tout d’abord des peintres et des thèmes plus connus comme Belle île de Monet, les portraits de Renoir ou les paysages de Caillebotte, avant de redécouvrir les néo impressionnistes avec de rares Seurat, Signac, Rysselberghe et Van Gogh. Gauguin et l’école de Pont Aven nous emmènent ensuite dans des ailleurs colorés et Toulouse-Lautrec nous rappelle le monde interlope avec ces femmes aux cheveux roux, avant que Camille Claudel exorcise ses grossesses interrompues avec un plâtre inédit de La petite châtelaine. Suivent ensuite les Nabis, Odilon Redon, avant que les œuvres fauves de Derain, Vlaminck et Van Dongen ne clôturent l’exposition.

Odilon Redon - 1enviedailleurs.com
Odilon Redon – Quadrige, le char d’Apollon – vers 1909 – collection particulière – droits réservés

Plus qu’un catalogue à la Prévert, ce sont la force, les couleurs et la beauté des toiles qui surprennent le visiteur. On découvre ainsi la Normandie peinte par Monet avec une explosion de couleurs, tout comme une de ses rares natures mortes Les galettes (1892) sans perspective puisqu’il relève la table. Caillebotte reste très représenté dans l’exposition car ce peintre décédé jeune plait au public.

Renoir - Portrait de Madame Josse Bernheim-Dauberville ( née Mathilde Adler) _ 1enviedailleurs.com
Renoir – Portrait de Madame Josse Bernheim-Dauberville ( née Mathilde Adler) – 1901 – Droits réservés

Le portrait de Madame Josse Bernheim-Dauberville peint en 1901 par Renoir est un portrait très classique avec le rose du ruban qui flatte la carnation du modèle et donne la tonalité de l’œuvre. Cette exposition est également l’occasion de se rappeler que la technique du pointillisme qu’utilise Seurat est purement scientifique et suit des règles strictes ainsi qu’un temps de séchage long afin d’éviter que les couleurs ne se mélangent. On apprend également que les Nabis se partageaient entre les profanes et les mystiques, ce qui rejaillit sur leur peinture.

Un beau voyage dans les demeures des collectionneurs qui, personnellement, m’a réconciliée avec Renoir, et m’a fait redécouvrir l’école de Pont Aven. Un privilège et une occasion rare de voir certains tableaux d’habitude accrochés aux murs de demeures privées… Une ode à la couleur

Anne-Laure FAUBERT

Musée Marmottan Monet – Jusqu’au 10 février 2019